國立臺灣美術館

《藝術史再建構的推手：美術館與重建臺灣藝術史》為國立臺灣美術館於2024年舉辦「藝術史再建構的推手：美術館與重建臺灣藝術史」論壇論文選錄編輯而成的專書。論壇旨在探討臺灣的美術館如何透過理論建立與策略實踐，具體的「重建臺灣藝術史」，同時也對臺灣藝術史建構的方法，進行全新的反思與探索。本書正是基於這樣的視野，對臺灣藝術史進行全新的反思與探索，總計收入九篇國內藝術史學者與美術館研究人員的專文，探討美術館在當代藝術史重構中扮演的關鍵角色，並重新審視臺灣藝術發展的軌跡。

2025年出版，為本館2024年度辦理各項重要業務與成果績效的年度報告。年報內容包含本館地理位置、建築理念、展覽設備、服務願景、服務團隊等，以及展覽、研究發展、典藏管理、教育推廣、圖書資料之年度成果簡介，並附錄「年度紀要」、「年度出版品一覽表」、「年度業務執行成果一覽」與「參觀資訊」四部分。

本次「時代印記：國美典藏常設展」邀請黃冬富教授，與本館研究人員薛燕玲、林振莖、蔡昭儀、馮勝宣共同策劃，規劃五個主題展區：「中原流風：臺灣早期書畫」、「引光顯影：20世紀前期臺灣美術的在地色彩」、「浪潮與衝擊：1945-1979臺灣美術發展」、「激撞與反思：1980s～1990s臺灣美術主體性尋探」、「交融與重構：2000～全球視野與數位浪潮」，分別闡述臺灣明清時期傳統書畫的狂野率性特質如何反映早期拓墾時期的衝創精神；日治時期臺灣畫家如何透過對於風土「在地色彩」的探索形塑現代化與地方認同的意識；戰後至七○年代如何受抽象、普普藝術等西方浪潮衝擊的同時回歸鄉土美術；八○至九○年代解嚴之後又如何積極突圍，衝撞禁忌議題及探問何謂臺灣主體性；2000年以後在全球化與資訊科技的席捲之下，文化地理界線的重劃如何引發自我身分與文化認同之重建，而多元族群、環境議題等等也都成為臺灣藝術家關懷的面向。整體充分展現出不同時期的藝術家，如何透過繁複的題材與手法來演繹時代精神。

中華民國第40屆版印年畫「蛇彩繽紛-蛇年年畫特展」

典藏目錄36收錄作品為國立臺灣美術館於2023年典藏之作品。作品來源包括價購入藏、藝術家家屬與藏家捐贈、競賽得獎作品。入藏前，皆經過典藏審議會，由眾多藝術相關之專家學者套論審查，確立其於美術史之定位，才得以典藏入館。作品精彩且數量眾多，經本館編目整理後，彙編成典藏目錄，提供民眾更多元的欣賞藝術品管道。

許深州（1918－2005），出生於臺灣桃園埔子，為臺灣著名膠彩畫家。本名許進，日治時期曾改姓「柯」，戰後才改回原姓。自幼喜愛繪畫，於桃園公學校高等科就讀時，受到知名西畫家簡綽然的啟蒙。許深州囿於父母期待，臺北中學商科畢業後，於桃園街役場任職，但仍未放棄對繪畫的熱情，入「東洋畫麒麟兒」呂鐵州門下學習膠彩畫，傳承日本圓山四條派的訓練，鑽研花鳥寫生技法，繪畫實力受恩師呂鐵州認可，贈「州」字象徵學有所成。1936年以「柯深州」為名，初試啼聲參加「臺展」，隨即入選。此後年年入選「府展」，以花鳥畫家身分活躍於畫壇。戰後的「省展」，為因應全新的社會氣氛，他嘗試創作美人畫，描繪臺灣社會中各族群女性的樣貌，深獲評審的青睞與肯定，並奠定畫壇的地位。爾後省展掀起「正統國畫論爭」，膠彩畫經歷一段失去舞臺的歲月，此時他將畫筆朝向山脈，開展以細膩溫潤的膠彩呈現磅礡群山的時期，直到晚年依然創作不輟。晚期山岳畫作愈加成熟，並透過繪畫來表達對人生的思考，以及對自然萬物的敬畏之情。許深州作為臺灣膠彩畫的代表性藝術家，除了個人的創作外，他也投身膠彩畫的推廣和教育工作，致力於培養新一代臺灣膠彩畫家。2005年許深州辭世，享年88歲。他一生創作了無數精湛的藝術作品，並為臺灣膠彩畫藝術的發展奠定堅實之基礎。至今，許深州作品仍然受到各界的讚賞，成為臺灣美術史上一顆璀璨明亮的珍珠。

莊喆（1934—），出生於北京。父親莊尚嚴曾任故宮博物院副院長，家學淵源使得他少年時在中國山水畫上就已經造詣非凡。戰亂的年代，他隨著故宮國寶的遷徙，最終成長養成於臺灣。1957年畢業於臺灣師範大學美術系，同年加入「五月畫會」，積極參與中國繪畫現代化運動，成為主要成員之一。1963年莊喆執教於東海大學建築系，1966年獲美國洛克菲勒三世基金會資助，赴美研究當代世界藝術，1973年辭去教職，正式移居美國，遍遊美國及加拿大名山大川，開啟長達14年的田園生活，潛心於繪畫新技法的研發，之後再移居紐約創作至今。1986年受美國基金會資助返臺一年，受邀至國立藝術學院（今國立臺北藝術大學）客座教授一年。 莊喆長期致力於探討繪畫藝術，繪畫與抽象理論同時並進，卓然有成。他的抽象山水以書法的線形為結構，運筆氣勢磅礡卻又勾勒出大自然的空靈宛轉，畫面伴隨色彩空間變化萬千、複雜豐厚，在傳統的山水畫中另闢蹊徑。2000年以後，莊喆借古開今，透過對文徵明、貫休、雪舟等人作品的體悟，表現出個人繪畫的新精神樣貌。此後他的創作開始呈現獨遊太虛的蒼茫感，彷彿生機盈滿卻獨飲太和，可以冷然如孤峰傲雪，也可灑脫如飄逸飛雲，動靜一如，創造出元氣淋漓，磅礡豪邁的繪畫意象。 其作品獲眾多公共藝術機構收藏，包括巴黎龐畢度中心、美國克利夫蘭美術館及底特律美術館；重要個展包括1977年密西根州賽格諾市美術館個展、2015年臺北市立美術館 「鴻濛與酣暢→莊喆回顧展」、2016年臺北亞洲藝術中心「1960──臺灣現代藝術的濫觴」、2017年比利時伊克塞爾博物館「從中國到臺灣──抽象藝術先鋒 (1955-1985)」、臺北亞洲藝術中心於2020年舉辦「如山之想60年──莊喆個展」、2021年「『越界』～在砌時變局中縱橫」、2022年「心嚮形往：莊喆、馮鍾睿、楊識宏」等。近期最重要的展覽為2024年亞洲大學現代美術館「元氣・淋漓——人間90莊喆特展」。

陳幸婉 (1951—2004)，出生於臺灣臺中市，畢業於國立藝專西畫組。受父親雕塑家陳夏雨的影響，年輕時便以藝術創作為職志 1981年師從李仲生，受其觀念啟發，將自動性技法運用在複合媒材繪畫中；嘗試以雕塑常用的石膏入畫，增加畫面的肌理與量感。此後也大量使用壓克力顏料、木條、報紙裱貼、石膏、畫布裱木板等媒材，1984年獲臺北市立美術館首屆「新展望」獎與「抽象繪畫」第三獎，為其創作生涯轉捩點。 陳幸婉70年代創作初期，以油漆為顏料作畫，為了投入更多時間於創作，她辭去教職，短暫教兒童畫維生。80年代首次至法國遊學，期間大量閱看展覽、電影和古蹟，轉化成為創作養分，此時期作品趨向大畫幅，延續拼貼手法，對物質媒材的掌握更加純熟、厚重。1985年後經常在法國、美國、瑞士等地駐村創作，之後取得法國藝術家十年居留證。她為了方便遷移和運送，使用大量的布料作畫，運用撕、剪、縫、裱貼等手法，以布為線條、顏色，發展出可以捲疊的作品，也是她創作最具爆發力的時期。 在她藝術行旅於埃及途中，被動物皮毛之自然、原始的能量所觸動，之後使用皮革為素材，發展出系列以「大地之歌」與「原形」命名的作品。後期創作核心也逐漸由內在的自我探索轉向對人文的關懷。2000年前後，她實地走訪了德國、波蘭等地的集中營，深受觸動，後期作品由鮮明的淺色系轉為厚重、沉穩的色調，創作態度凝煉飽滿且充滿爆發力，無論是平面的水墨繪畫或是以複合媒材構成的作品，都強烈彰顯出創作者在極度壓抑後迸發出的堅強心志。2004年因病逝於法國。

蕭麗虹（1946—2021），出生於英屬香港。畢業於加州大學柏克萊分校經濟系，婚後與先生陳光雄前往麻省理工學院。先生就讀企管碩士學位時，她兼職該學院教授Edwin Kuh助理協助研究工作，同時學習陶藝及金屬器皿等美術工藝製作，奠定日後藝術發展的基礎。 1976年，蕭麗虹與先生全家遷居臺灣，受婆婆啟蒙開始收藏當代藝術品，並正式開始習陶，潛心於陶藝創作。她的陶板作品如《雲》、《浪花》等系列，風格細膩獨特，確立了她的陶藝家位置。 1987年之後，蕭麗虹的作品表現手法從抽象藝術轉為象徵主義與具象藝術，她延續個人的社會關注，發展出大量壓製陶管、土條的技法，象徵人的受壓迫與鬱悶。1989年獲得臺北市立美術館「現代雕塑展」首獎的《途徑》是此系列最具代表性的作品。日後，蕭麗虹的創作也逐漸拓展至裝置藝術、環境藝術，以及社會雕塑等領域。 1995年，蕭麗虹與藝術家朋友在淡水成立「竹圍工作室」，提供另類空間，培育不同世代的藝術家發展前衛作品，也深具國際視野，以藝術進駐為方法引介國外藝術家前來臺灣，協助國內藝術家走向國際，成為促進臺灣國際藝術交流的重要先驅。此外，蕭麗虹也積極參與創辦「視覺藝術聯盟」、「藝術文化環境改造協會」及「女性藝術協會」等。她重視藝文生態的整體發展，致力於團結藝術界的集體力量，長期與公部門溝通協調，並積極倡議藝術機構和環境生態的永續性。除個人的創作之外，蕭麗虹可說時時刻刻都在進行藝術相關的創造性行動。

       呂基正（1914–1990）出生於臺北大稻埕，父親乃橫跨臺北、廈門與神戶的貿易商。七歲時舉家遷回祖居地廈門。少年立志成為畫家，十七歲前往日本神戶，跟隨旅法畫家今井朝路以及獨立美術協會的林重義與伊藤廉習畫。1934年入選臺灣美術展覽會，隔年前往東京，專注於人物畫創作，技法日趨精湛，屢次入選關西地區的美展，逐漸活躍於日本藝壇。1946年偕妻子返臺定居，參與首屆省展即獲特選長官賞，實力備受矚目，1959年成為省展審查員。來臺後進入政府單位，因公務所需常進入山區，創作主題開始著重於山岳風景。他擅長以畫刀作畫，使用濃厚的油彩肌理表現山岳量感，高超的速寫能力，可捕捉瞬息萬變的雲霧等天候變化。1958年於臺北中山堂舉行戰後首次個展，展出多幅山岳風景畫，確立其作為臺灣畫壇「山王」的地位。戰前呂基正雖往返東亞各地，仍積極參與臺灣畫壇活動，包括臺陽美展、創立Mouve美術集團等。此外，呂基正也於1948年創設青雲美術會，此乃戰後臺灣第一個成立的民間畫會，旨在向大眾推廣藝術，長達四十年舉辦畫展不輟，影響深遠。1980年代晚期因健康因素無法登山創作，但他仍未停下畫筆，直到臨終前仍奮力描繪。1990年，呂基正因病去世，享年76歲。他的一生熱愛創作，作品中流露出對於自然與生命的深情。他長年在省展、臺陽展、青雲畫展持續發表作品，熱心協助舉辦展覽，是戰後臺灣畫壇功不可沒的存在。他不僅在臺灣美術史上佔有重要地位，其作品與事蹟更成為後輩藝術家的典範，留下深遠的影響。

李元亨（1936-2020）出生於鹿港的李元亨，由於父親過世與家貧之故，他在毫無美術訓練的背景下進入臺灣省立師範大學藝術系，意外開啟一條艱辛但回饋豐富的人生道路，之後前往巴黎，追求藝術進一步的發展。透過多次在國際性的巴黎沙龍中獲獎，李元亨奠定其事業的基礎，藝術熟成期亦由此開啟，並擔當法國藝術家沙龍的評審，成為形塑一種特定巴黎沙龍文化的重要人物。爾後更回臺任教貢獻所學，又創設「臺灣藝術家法國沙龍學會」，鼓勵與協助國人參加法國沙龍競賽，頗受同好與學子愛戴。李元亨以畫家、雕塑家的雙重身分立足藝壇，但其創作主題唯三而已：親情光輝、女性神話、故園夢境。然而每一個主題皆從其可資辨認的「原型」出發，進而發展出無窮的變奏曲。他為人類在藝術精神與感官性的追求上，提出一條可能的途徑。

陳世明（1948-）出生於彰化縣溪州鄉。1970年畢業於國立臺灣藝專（今國立臺灣藝術大學）。至1973年赴西班牙留學，進入馬德里聖費南度藝術學院，陳世明從歐洲學院派與臺灣藝術教學觀念方式，深入研究與吸收，進一步培養他創作的藝術道路。陳世明於1977年返臺後投入創作及教學，並活躍於臺灣藝壇。其抽象構成繪畫蛻變於扎實的具象寫實繪畫，以及物我凝視心靈淬鍊之體悟。陳世明的藝術哲學與修行導出的視覺語言，全然體現生命大美與藝術巨麗。2004年後陳世明潛心探討繪畫空間延展的可能性，以大量的攝影為媒介，拍攝從自然到都會的片段，重新組構成綿密的萬象空間，這些穿越時空的攝影繪畫，敏銳詮釋了藝術本質與感知幻覺的當代視野。